El arte teatral de Italia, con sus orígenes, se remonta a los ritos y juegos populares, a los carnavales, a los cantos y bailes de culto asociados al ciclo natural y al trabajo rural. Ricos en canciones y acción dramática eran los juegos de mayo, que tenían lugar alrededor de un fuego ardiente, que simbolizaba el sol. Desde mediados del siglo XIII en Umbria, surge una lauda (lauda), una especie de espectáculo areal – cantos religiosos laudatorios, que gradualmente adquirieron una forma dialógica. Las tramas de estas representaciones eran principalmente escenas evangélicas: la anunciación, el nacimiento de Cristo, las hazañas de Cristo… Entre los compositores de laudes, se destacó el monje toscano Jacopone da Todi (1230-1306). Su obra más famosa es Lamentaciones de la Virgen. Laudas sirvió como base para el surgimiento de representaciones sagradas (sacre rappresentazioni), que se desarrollaron en los siglos XIV-XV. (originalmente también en el centro de Italia), un género cercano al misterio, común en los países del norte de Europa. El contenido de las representaciones sagradas se basaba en las tramas del Antiguo y Nuevo Testamento, en las que se añadían motivos fabulosos y realistas. Las actuaciones se realizaron en un podio instalado en la plaza de la ciudad. La escena se construyó de acuerdo con el canon aceptado: en la parte inferior está el «infierno» (la boca abierta de un dragón), en la parte superior está el «paraíso», y entre ellos hay otras escenas de acción: «Montaña», «Desierto» , “Palacio Real”, etc. Uno de los autores más famosos de este género fue Feo Belcari: La idea de Abraham e Isaac (1449), San Juan en el desierto (1470), etc. El gobernante de Florencia, Lorenzo Medici, también compuso representaciones sagradas.
En 1480, el joven poeta de la corte y conocedor de la antigüedad Angelo Poliziano (1454-1494), encargado por el cardenal Francesco Gonzaga, escribió un drama pastoral basado en la trama del antiguo mito griego El cuento de Orfeo. Este fue el primer ejemplo de apelación a las imágenes del mundo antiguo. Con una obra de Poliziano, impregnada de un sentimiento luminoso y alegre, comienza el interés por las obras mitológicas y, en general, la fascinación por la antigüedad.
El drama literario italiano, con el que comienza la historia de la dramaturgia europea occidental del Renacimiento, se basó en su estética en la experiencia del drama antiguo. Las comedias de Plauto y Terencio determinaron para los dramaturgos humanistas italianos los temas de sus obras, la composición de los personajes y la estructura compositiva. Las representaciones de comedias latinas por escolares y estudiantes fueron de gran importancia, en particular en Roma bajo la dirección de Pomponio Leto en la década de 1470. Usando tramas tradicionales, introdujeron nuevos personajes, colores modernos y evaluaciones en sus composiciones. Hicieron de la vida real el contenido de sus obras y los personajes de su hombre contemporáneo. El primer comediante de los tiempos modernos fue el gran poeta del Renacimiento italiano tardío, Ludovico Ariosto. Sus obras están llenas de imágenes realistas, bocetos satíricos nítidos. Se convirtió en el fundador de la comedia nacional italiana. De él proviene el desarrollo de la comedia en dos direcciones: puramente entretenida (Calandria del cardenal Bibiena, 1513) y satírica, presentada por Pietro Aretino (Corte moral, 1534, Filósofo, 1546), Giordano Bruno (Candelero, 1582) y Niccolo Machiavelli, quien creó la mejor comedia de la época: Mandrake (1514). En general, sin embargo, los escritos dramáticos de los comediantes italianos eran imperfectos. No es casualidad que toda la dirección se llamara «Scholarly Comedy» (commedia erudita).
Simultáneamente con la comedia literaria viene la tragedia. La tragedia italiana no trajo gran éxito. Se compusieron muchas obras de este género, que contenían historias terribles, pasiones criminales y crueldades increíbles. Se les ha llamado «tragedias de horror». La obra más exitosa del género es Sofonisba J. Trissino, escrita en verso blanco (1515). La experiencia de Trissino se desarrolló mucho más allá de las fronteras de Italia. La tragedia de P. Aretino Horacio (1546) también tuvo ciertos méritos.
El tercero, el más exitoso y animado, género del drama literario italiano del siglo XVI. pasó a ser pastoral, que rápidamente se generalizó en las cortes de Europa. El género ha adquirido un carácter aristocrático. Su lugar de nacimiento es Ferrara. El célebre poema de G. Sannadzaro Arcadia (1504), que exaltaba la vida rural y la naturaleza como «área de recreo», marcó el inicio del rumbo. Las obras más famosas del género pastoril fueron Aminta Torquato Tasso (1573), obra llena de verdadera poesía y sencillez renacentista, así como el Pastor fiel D.-B. Guarini (1585), que se distingue por la complejidad y la intriga , y lenguaje poético, por lo que se atribuye al manierismo.
La separación del drama literario de la audiencia no contribuyó al desarrollo del teatro. El arte escénico nació en la plaza: en las actuaciones de los bufones medievales (giullari), los herederos de los mimos de la antigua Roma, en divertidas actuaciones de farsa. La farsa (farsa) finalmente se forma en el siglo XV. y adquiere todos los signos de una idea popular: eficacia, bufonería, concreción cotidiana, libre pensamiento satírico. Los acontecimientos de la vida real, convirtiéndose en el tema de una farsa, se convirtieron en una anécdota. De una manera vívida y grotesca, la farsa ridiculizaba los vicios de las personas y la sociedad. La farsa tuvo una gran influencia en el desarrollo del teatro europeo y en Italia contribuyó a la creación de un tipo especial de arte escénico: la comedia improvisada.
Hasta mediados del siglo XVI. no había teatro profesional en Italia. En Venecia, que se adelantó en la creación de todo tipo de espectáculos, ya a finales del siglo XV-XVI. había varias comunidades teatrales de aficionados. A ellos asistieron artesanos y personas de los estratos cultos de la sociedad. Poco a poco, grupos de semiprofesionales comenzaron a surgir de ese entorno. La etapa más significativa en el nacimiento del teatro profesional está asociada al actor y dramaturgo Angelo Beolco, apodado Ruzzante (1500-1542), cuya obra allanó el camino para el surgimiento de la commedia dell’arte. Sus obras, Anconitanca, Mosqueta, Diálogos están incluidas en el repertorio del teatro italiano y en la actualidad.
Hacia 1570 se determinaron los principales componentes artísticos del nuevo teatro: máscaras, dialectos, improvisación, bufonería. También se estableció el nombre commedia dell’arte, que significaba «teatro profesional». El nombre «comedia de máscaras» es de origen posterior. Los personajes de este teatro, los llamados. tipos constantes (tipi fissi) o máscaras. Las máscaras más populares fueron Pantalone, un comerciante veneciano, Doctor, un abogado boloñés, que interpretó los papeles de los sirvientes zanni Brighella, Arlequín y Pulcinella, así como el Capitán, Tartaglia, la doncella de Servette y dos parejas de Amantes. Cada máscara tenía su propio traje tradicional y hablaba su propio dialecto, solo que los Amantes no usaban máscaras y hablaban en italiano correcto. Los actores interpretaron sus obras de acuerdo con el guión, improvisando el texto en el transcurso de la obra. Las actuaciones siempre tenían mucho lazzi y bufonadas. Por lo general, el actor de la commedia dell’arte jugó solo su máscara durante toda su vida. Las compañías más famosas son Gelosi (1568), Confidenti (1574) y Fedeli (1601). Había muchos grandes actores entre los artistas: Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli y otros. El arte del teatro de máscaras fue muy popular no solo en Italia, sino también en el extranjero. fueron admirados como en los estratos superiores de la sociedad y la gente común. La comedia de máscaras tuvo una gran influencia en la formación de los teatros nacionales en Europa. El declive de la commedia dell’arte comenzó en la segunda mitad del siglo XVII y a fines del siglo XVIII. ella deja de existir.
El desarrollo de la tragedia, la comedia, la pastoral exigió un edificio especial para su actuación. En Italia se creó un nuevo tipo de edificio teatral cerrado con palco, auditorio y gradas basado en el estudio de la arquitectura antigua. Al mismo tiempo en el teatro italiano del siglo XVII. se llevaron a cabo con éxito búsquedas en el campo del diseño de escenarios (en particular, se crearon escenarios prometedores), se desarrolló y mejoró la maquinaria teatral. Tanto en los siglos XII como XIII. Se construyeron teatros en todo el país, los llamados. italiano (all’italiana), que luego se extendió por toda Europa.
A pesar del atraso económico y político, Italia se distinguió por la riqueza y diversidad de la vida teatral. Para el siglo XVIII Italia tenía el mejor teatro musical del mundo, en el que se distinguían dos tipos: ópera seria y ópera cómica (aficionado a la ópera). Había un teatro de marionetas, se daban representaciones de commedia dell’arte por todas partes. Sin embargo, la reforma del teatro dramático se viene gestando desde hace tiempo. En el Siglo de las Luces, la comedia improvisada ya no cumplía con los requisitos de la época. Se necesitaba un teatro literario nuevo, serio. La comedia de máscaras no podía existir en su forma anterior, pero sus logros debían ser preservados y cuidadosamente transferidos al nuevo teatro. Esto fue hecho por Carlo Goldoni. Llevó a cabo la reforma con cuidado. Comenzó a introducir en sus obras textos totalmente escritos y literarios de papeles individuales y diálogos, y el público veneciano aceptó su innovación con entusiasmo. Aplicó por primera vez este método en la comedia Momolo, alma de sociedad (1738). Goldoni creó un teatro de personajes, abandonando las máscaras, el guión y, en general, la improvisación. Los personajes de su teatro perdieron su contenido condicional y se convirtieron en personas vivas, personas de su época y de su país, la Italia del siglo XVIII. Goldoni llevó a cabo su reforma en una feroz lucha con los opositores. Segunda mitad del siglo XVIII entró en la historia de Italia como la época de las guerras teatrales. Se le opuso el abad Chiari, un dramaturgo mediocre y por lo tanto nada peligroso, pero su principal oponente, igual en fuerza a su talento, fue Carlo Gozzi. Gozzi salió en defensa del teatro de máscaras, imponiéndose la tarea de revivir la tradición de la comedia improvisada. Y en algún momento pareció que lo consiguió. Y aunque Goldoni dejó espacio para la improvisación en sus comedias, y el propio Gozzi finalmente grabó casi todas sus obras dramáticas, su disputa fue cruel e intransigente. Ya que el nervio principal del enfrentamiento entre los dos grandes venecianos está en la incompatibilidad de sus posiciones sociales, en distintas visiones del mundo y del hombre.